In this EcoSisters interview, Elina Lifländer discusses her practice as a scenographer, spatial artist and lecturer, rooted in contemporary dance and experimental performance. Her work explores invisible scenography and spatial rhythms as conceptual materials, focusing on movement, chance and audience engagement. Sustainability stems from a lifelong connection to nature and is expressed through the use of natural, recycled and minimal materials, as well as through immaterial design strategies. Elina views scenography as spatial and relational thinking rather than object-based construction. Circularity, participation and clear communication within organisations are central to her eco-creative approach, positioning sustainability as an integral and generative aspect of contemporary scenographic practice.
Elina Lifländer is a scenographer, spatial artist and Lecturer in Scenography at the University of the Arts Helsinki. Her doctoral dissertation (2016) examined spatial rhythms as conceptual materials of scenography: movement, composition, natural rhythms, echoes and the presence of chance. Her artistic works focus on experimental performances, contemporary dance and performative installations. She is interested in alternative ways of working as a set designer; spatial dramaturgy and situations where sustainable materials and group working methods meet the spatial thinking and participation of the audience.
Elina Lifländer, Picture by Alisa Javits.
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https://www.uniarts.fi/henkilot/elina-liflander/
*Você pode encontrar a entrevista traduzida para o português abaixo.
Could you please introduce yourself?
I graduated as a performance designer in 2008 and Doctor of Arts in 2016. Since 2005, I have done different kinds of productions, but mostly with contemporary dance and experimental practices of performing arts. In the last five years I have worked as a Lecturer in Scenography at the Theatre Academy, University of the Arts Helsinki. Before that I was Lecturer in Scenography at the Aalto University, Espoo, Finland.
Can you talk about how your interest in sustainability came about? (i.e., interest in ecoscenography and sustainable theatre practice)
I had a strong connection with nature since I was a child, so I have been interested in this theme for some time. My master’s final work in 2008 dealt with Invisible Scenography and later my Doctoral Thesis was about Spatial rhythms. This was because I wanted to make visible or understandable the intangible materials that scenographers are using or could use. When I started to be interested in sustainability about twenty years ago, the world was quite different to now: I was not saying aloud that I am a ‘ecological scenographer’, it just felt right to work that way.
Can you tell me more about your sustainable design practices?
Beyond intangible and recycled materials, I have used all kinds of sustainable or natural materials in my designs, such as sand, ice, mould, water, plants, text on the floor, rusted iron, trash, dough, clay, newspapers and a weather observation ball. However, I don’t especially want the space to look eco-friendly or ‘green and pleasant’.
I have also tried not to use many materials at all and observed where a scenographer is needed. With this working method, I became more of a performer or a member of the group in different ways beyond materials, sets and dramaturgy. For example, audience positioning, bodies of the performers or empty spaces on the stage became part of the design. Scenography became more about spatial and conceptual thinking, rather than building concrete structures.
Recently, I have been interested in the role that the public can play in the sustainable development of the scenography. Could audiences be involved in choosing the scenographical content, and in this way also increase interest and understanding towards the field and practice of scenography in general?
How do you bring circularity into your design processes?
Circularity happens through the planning of what kind of materials to use and where they go after the performance or conceptualising the whole process of scenography beforehand. For example, if it will be raining on the stage during the whole performance, circulating water systems and umbrellas for the performers might be the only stage elements needed.
In the Water Tower project (2013), the artistic concept started from the fact that the water tower would soon be demolished. In this process, we considered with the working group the concept of preserving the disappearing in a conceptual way. We recorded bodily experiences, for example by dancing and recording the acoustics and enormous echo inside the water tower. Later, when the tower was no longer there, we made a performative installation of the sensations it evoked, in the gallery space.
How do you bring eco-creativity into your design processes? (i.e., ecological approach to your artistic process)
In many ways, but just recently, I was testing a kind of ‘sustainable participation’ method with my students. Audience members bring some personally significant materials for the designer students, and we observe how it affects the design or the whole concept of the performance. This experimental course was exploring audience activity development and borrowed materials. In this case the scenographers didn’t use new materials basically at all, because the materials were ‘borrowed’ from the audience members. When the spectators are involved in choosing the scenographical materials, we also wondered if it might increase interest and understanding towards the performance, scenography and its ecological aspects as well.
Do you think that being sustainable is a limitation in your aesthetics? (Why? Why not?)
I think in a larger production context it could be seen as a limitation sometimes, but not necessarily because the world is full of materials that can be reused, recycled or rethought. In Helsinki City Theatre I was using old cars, old books and floor made of newspapers for example.
Have you ever worked with an organization that has an environmental policy?
Yes, Finnish National Opera (main scenographer’s assistant), Helsinki City Theatre (visiting scenographer) and University of the Arts Helsinki (lecturer). In fact, when I worked at these places a long time ago, they hadn’t fully implemented the policies yet, but now they are.
What would make it easier for you to do things in a greener way?
It would be great if all the members at the organisation have similar rules, agreements and knowledge about the sustainability. Communication and time are the key elements in this.
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EcoSisters: Elina Lifländer sobre Cenografia Invisível, Ritmos Espaciais e Envolvimento do Público (Finlândia)
Na entrevista EcoSisters, Elina Lifländer apresenta sua trajetória como cenógrafa, artista espacial e docente, com atuação voltada à dança contemporânea e às práticas experimentais. Sua pesquisa investiga a cenografia invisível e os ritmos espaciais como materiais conceituais, valorizando o intangível, o acaso e a participação do público. A sustentabilidade surge de uma relação precoce com a natureza e se manifesta tanto no uso de materiais naturais e reutilizados quanto na redução radical de elementos cênicos. Para Elina, a cenografia pode acontecer na organização do espaço, nos corpos, no ritmo e na experiência do público, integrando circularidade, colaboração e pensamento ecológico aos processos criativos.
Elina Lifländer é cenógrafa, artista espacial e professora de Cenografia na Universidade das Artes de Helsinque. Sua tese de doutorado (2016) examinou os ritmos espaciais como materiais conceituais da cenografia: movimento, composição, ritmos naturais, ecos e a presença do acaso. Seus trabalhos artísticos focam em performances experimentais, dança contemporânea e instalações performativas. Ela se interessa por formas alternativas de trabalho como cenógrafa; dramaturgia espacial e situações em que materiais sustentáveis e métodos de trabalho em grupo se encontram com o pensamento espacial e a participação do público.
Você poderia se apresentar?
Sou Elina Lifländer, formada como designer de performance em 2008. E Doutora em Artes em 2016. Desde 2005 tenho feito diferentes tipos de produções, mas principalmente com dança contemporânea e prática experimental de artes cênicas. Nos últimos cinco anos tenho trabalhado como professora de Cenografia na Academia de Teatro da Universidade das Artes de Helsinque. Antes disso fui professora de Cenografia na Universidade Aalto, em Espoo.
Você pode falar sobre como surgiu o seu interesse por sustentabilidade? (ou seja, interesse em ecocenografia e práticas teatrais sustentáveis)
Desde criança, sempre tive um forte contato com a natureza; por isso, meu interesse por esse tema já vem desde a época dos estudos. Minha dissertação de mestrado em 2008 tratava de Cenografia Invisível e posteriormente minha tese foi sobre Ritmos Espaciais. Fiz isso porque queria tornar visíveis ou compreensíveis os materiais intangíveis que os cenógrafos usam ou poderiam usar. Quando comecei a me interessar por sustentabilidade há cerca de vinte anos, o mundo era bem diferente do que é hoje, e eu não dizia em voz alta que era uma ‘cenógrafa ecológica’, simplesmente parecia certo trabalhar dessa forma de qualquer maneira.
Você pode me contar mais sobre suas práticas de design sustentável?
Além de materiais intangíveis e reciclados, tenho usado todos os tipos de materiais sustentáveis ou naturais em meus designs, como areia, gelo, mofo, água, plantas, texto no chão, ferro enferrujado, lixo, massa, argila, jornais, balão de observação meteorológica, etc. Mas não quero especialmente que o espaço pareça ecologicamente correto ou ‘verde e agradável’.
Também tentei usar quase nenhum material e observei quando a presença de um cenógrafo é necessária ou não. Com esse método de trabalho me tornei mais performer ou membro do grupo de diferentes maneiras do que por meio dos materiais, cenários e dramaturgia. Por exemplo, a posição do público, os corpos dos performers ou os espaços vazios no palco se tornaram parte do design. A cenografia se tornou mais um pensamento espacial e conceitual do que a construção de estruturas concretas.
Recentemente, tenho me interessado em qual papel o público poderia desempenhar no desenvolvimento sustentável da cenografia. O público poderia estar envolvido na escolha do conteúdo cenográfico e, dessa forma, também aumentar o interesse e a compreensão em relação à cenografia em geral?
Como você traz a circularidade para seus processos de design?
A circularidade ocorre através do planejamento do tipo de materiais a serem utilizados e do destino que eles terão após a apresentação, ou da conceituação prévia de todo o processo de cenografia. Por exemplo, se chover no palco durante toda a apresentação, sistemas de circulação de água e guarda-chuvas para os artistas podem ser os únicos elementos de palco necessários.
No projeto Water Tower (2013), o conceito artístico partiu do fato de que a torre de água seria demolida em breve. Nesse processo, consideramos com o grupo de trabalho o conceito de preservar o desaparecimento de forma conceitual. Registramos experiências corporais, por exemplo, dançando e gravando a acústica e o enorme eco dentro da torre de água. Mais tarde, quando a torre já não existia, fizemos uma instalação performática das sensações que ela evocava, no espaço da galeria.
Como você incorpora a eco-criatividade em seus processos de design? (ou seja, abordagem ecológica ao seu processo artístico)
De muitas maneiras, mas recentemente, eu estava testando um tipo de método de “participação sustentável” com meus alunos. Os membros da plateia trazem alguns materiais pessoalmente significativos para os alunos de design, e observamos como isso afeta o design ou todo o conceito da performance. Este curso experimental explorava o desenvolvimento da atividade da plateia e os materiais emprestados. Nesse caso, os cenógrafos basicamente não usaram materiais novos, porque os materiais foram “emprestados” pelos membros da plateia. Quando os espectadores se envolvem na escolha dos materiais cenográficos, também nos perguntamos se isso poderia aumentar o interesse e a compreensão em relação à performance, à cenografia e também aos seus aspectos ecológicos.
Você acha que ser sustentável é uma limitação na sua estética? (Por quê? Por que não?)
Acho que em uma grande produção, em um grande palco, isso pode ser uma limitação de vez em quando, mas não necessariamente, pois o mundo está cheio de materiais que podem ser reutilizados, reciclados ou repensados. No Teatro Municipal de Helsinque, por exemplo, usei carros antigos, livros velhos e um piso feito de jornais em grande escala.
Você já trabalhou com uma organização que tem uma política ambiental?
Sim: Ópera Nacional da Finlândia (assistente principal de cenógrafos), Teatro Municipal de Helsinque (cenógrafa visitante) e Universidade das Artes de Helsinque (professora). Na verdade, quando trabalhei nesses lugares há muito tempo, eles ainda não tinham implementado totalmente as políticas, mas agora já o fizeram.
O que tornaria mais fácil para você fazer as coisas de uma forma mais sustentável?
Que todos os membros da organização tenham regras, acordos e conhecimentos similares sobre sustentabilidade. A comunicação e o tempo são os elementos-chave nisso.
Legenda das fotos:
[1] John, Jonny & Jenny (2008). Coreografia de Elina Pirinen, Cenografia de Elina Lifländer. Academia de Teatro, Helsínquia. Design de imagem e iluminação de Raisa Kilpeläinen.
[2] Between Two Skies (Entre dois céus) (2012). Conceito e espaço de Elina Lifländer, Nanni Vapaavuori e Leila Kourkia. Galleria Laterna Magica, Helsinque. Imagem: Pekka Niittyvirta.
[3] Projeto da torre de água (2013). Grupo de trabalho: Elina Lifländer, Nanni Vapaavuori, Kristian Ekholm e Leila Kourkia. Lauttasaari Helsinque. Imagem de Pekka Niittyvirta.
[4] Corridor (Corredor) (2014). Performance participativa. Grupo de trabalho: Elina Lifländer, Julius Elo, Sirkka Kosonen e Pasi Lyytikäinen. Cable Factory Helsinki. Foto de Alisa Javits.
[5] Banned songs (Canções proibidas) (2009). Direção e dramaturgia de Pirkko Saisio, direção musical de Jussi Tuurna. Cenografia, figurino e fotografia de Elina Lifländer, Teatro Municipal de Helsínquia.
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