EcoSisters: Mawukplorm Adjahoe on Waste as Creative Resource (Ghana)

In this interview from the EcoSisters series, Mawukplorm Harriet Abla Adjahoe, a Ghanaian performance designer with over ten years’ experience, shares how observing post-show scenic waste awakened her ecological consciousness. A PhD graduate from the DAAD programme focused on UN SDGs, she works with biomimicry and circular economy, transforming discarded plastic, wood, and fabrics into scenographies that embody materials’ histories and textures. For Mawukplorm, circularity is a cultural philosophy of care for materials, people, and environments. She doesn’t see sustainability as an aesthetic limitation but as an invitation to deeper creativity, redefining beauty through ethical and ecological integrity. She advocates for institutional green policies and sustainable resource centres to strengthen eco-arts practices in Africa.

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*You can find the interview translated into Portuguese below.

Could you please introduce yourself?

My name is Mawukplorm Harriet Abla Adjahoe, and I’m a Ghanaian performance designer and researcher with a strong interest in sustainable scenic design and eco-theatre practices. I’ve worked in theatre and performance for over ten years, gaining experience in scenic design, stage construction, and directing.

My creative work blends Ghanaian cultural aesthetics with environmentally sustainable methods. I’m especially interested in ideas like biomimicry, the circular economy, and finding creative ways to reuse materials that would otherwise go to waste. Over the years, I’ve had the opportunity to collaborate on and lead a number of productions, including Asana, The Piano Lesson, Once Upon Four Robbers, and The Marriage of Anansewa.

Alongside my design practice, I teach and conduct research at the University of Cape Coast in Ghana. My focus is on eco-arts, cultural sustainability, and performance design. Through my work, I’m continually exploring how theatre can encourage more sustainable ways of creating and living.

Can you talk about how your interest in sustainability came about? (i.e., interest in ecoscenography and sustainable theatre practice)

My interest in sustainability within performance design developed gradually through hands-on experience and ongoing reflection on the environmental impact of theatre production. Early in my career, I began to notice how much waste was created after each show — beautifully crafted sets and props, made with so much care and creativity, were often thrown away once a performance ended. That experience made me start questioning the life cycle of materials in theatre and how design could be approached in a way that reduces waste and encourages reuse.

During my postgraduate studies, I was introduced to frameworks like ecoscenography and biomimicry, which completely changed how I thought about design. I began to see scenic design not just as decoration or a background for performance, but as a practice that carries ecological and ethical meaning. I was especially drawn to the idea that design could embody principles like regeneration, adaptation, and interdependence — mirroring the way natural ecosystems function.

This curiosity deepened during my doctoral research, where I focused on the idea of waste as a creative resource. That work allowed me to connect my artistic practice with environmental awareness and cultural context, experimenting with local, discarded, and natural materials to create sustainable scenographies that speak to the realities of the Ghanaian stage.

Can you tell me more about your sustainable design practices?

My sustainable design practice is built around the idea of rethinking materials, processes, and meanings within performance spaces. In practical terms, this means I often work with reclaimed, recycled, and locally sourced materials. I see waste as a creative resource rather than a by-product, exploring how discarded items like plastic, wood, metal, and fabric can find new life as part of the stage environment. I also draw inspiration from biomimicry — studying how natural systems solve challenges of structure, texture, and adaptation — and translating those insights into scenic design.

But for me, sustainability goes beyond materials. It’s also about collaboration and education. I place a strong emphasis on involving communities in the creative process, inviting performers, students, and artisans to co-create and learn together. This collective approach not only minimizes waste but also strengthens cultural ties and deepens environmental awareness.

Ultimately, my aim is to show that aesthetics and sustainability are not in conflict, they can complement each other beautifully when design is shaped by imagination, respect for context, and ecological sensitivity.

How do you bring circularity into your design processes?

Circularity is at the heart of how I think and work as a performance designer. I see it not just as a material process but as a creative and cultural philosophy — one that values continuity, regeneration, and transformation over the traditional cycle of production and disposal.

Before beginning a project, I map out the potential life cycle of the materials I plan to use. I consider what can be reused, repurposed, or biodegraded once the performance ends. For instance, I design scenic elements to be modular and adaptable, so they can be reconfigured for future productions rather than thrown away. I also prioritize materials that are locally sourced and whose origins and afterlives I can trace, helping to reduce the overall environmental impact of each project.

Another key aspect of circularity in my practice involves knowledge sharing and collaboration. I work closely with local artisans and students to explore sustainable materials and creative techniques, creating a continuous learning exchange that nurtures both ecological awareness and craftsmanship. This cycle, between maker, material, and community, ensures that what we build together has a life beyond the stage.

In essence, circularity for me is both a design method and an ethic of care — care for materials, for people, and for the environments we live in and represent through theatre.

How do you bring eco-creativity into your design processes? (i.e., ecological approach to your artistic process)

For me, eco-creativity is about reimagining artistic creation as an ecological act, one that recognizes the deep connections between people, materials, and the natural world. I think of the design process itself as a kind of living ecosystem, where ideas, materials, and collaborators interact and evolve together.

My approach begins with observing how nature works — how plants grow, how organisms adapt, and how structures in the natural world balance strength with fragility. These patterns often guide my design decisions through the lens of biomimicry, where nature doesn’t just inspire the look of a piece but informs its logic and structure.

In practice, I like to experiment with found or discarded materials, letting their textures, histories, and limitations influence the final design. This process encourages both creativity and humility, it’s about creating with awareness, using only what is necessary, and finding beauty in simplicity and purpose.

Bringing eco-creativity into my work means allowing ecological thinking to drive artistic innovation where imagination and care for the environment become one and the same.

Do you think that being sustainable is a limitation in your aesthetics? (Why? Why not?)

I don’t see sustainability as a limitation to aesthetics. I see it as an invitation to deeper creativity and meaning. Constraints often spark innovation, and for me, sustainability offers exactly that kind of productive framework. It pushes me to think more critically about form, function, and materiality. This means to design in ways that are purposeful, grounded, and contextually meaningful.

Working sustainably has encouraged me to experiment with unconventional materials and techniques, often leading to aesthetics that feel richer in story and symbolism. For instance, transforming discarded objects into scenic elements allows materials with their own histories and textures to take on new life, adding authenticity and depth to the performance space.

Sustainability also expands how I understand beauty. It shifts the focus from purely visual appeal to include ethical and ecological integrity. To me, a design that honors the environment, uplifts local craftsmanship, and communicates cultural meaning holds a deeper kind of aesthetic value. In that sense, sustainability doesn’t limit creativity, it redefines it. It becomes an aesthetic of care, awareness, and transformation.

Have you ever worked with an organization that has an environmental policy?

I was fortunate to receive a scholarship through the DAAD-funded SDG Graduate School “Performing Sustainability: Cultures and Development in West Africa,” under which I pursued my PhD. The programme’s entire framework was grounded in the United Nations Sustainable Development Goals (SDGs), with a strong focus on social justice, environmental and economic sustainability, cultural resilience, and responsible production.

Through this initiative, my work became closely aligned with institutional efforts to promote resource efficiency, sustainable research practices, and community-oriented design. The experience strengthened my conviction that sustainability shouldn’t be seen as an optional add-on, but as a core philosophy that guides artistic, academic, and even administrative decision-making.

Beyond the academic setting, I’ve continued to champion these values in my teaching and collaborations, particularly through my work with Performing Positivity (PerPos) Ghana, a not-for-profit organization. Together, we advocate for clearer eco-arts policies and the adoption of green production guidelines, ensuring that sustainability becomes an integral part of both creative processes and organizational culture.

What would make it easier for you to do things in a greener way?

What would make it easier to work in a greener way is stronger institutional and infrastructural support for sustainable creative practices. While personal commitment is vital, sustainable design truly flourishes when there’s collective responsibility and policy backing.

One major challenge is access to eco-friendly materials and technologies, which remains limited in many parts of Africa. Developing local industries that recycle, repurpose, or produce sustainable materials at affordable costs would make a huge difference. Likewise, setting up material exchange hubs or green art resource centers within creative communities could make reuse and circularity far more achievable in practice.

Education and advocacy are equally important. Embedding sustainability into theatre and design curricula, and providing ongoing professional development in eco-arts, would help nurture a new generation of designers who think ecologically from the very start of their careers.

Lastly, clear environmental policies within arts institutions and funding bodies would provide both direction and accountability. When sustainability becomes a shared expectation rather than an exception, it creates the right conditions for designers to innovate boldly and responsibly.

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EcoSisters: Mawukplorm Adjahoe sobre o uso de Resíduos como Recurso Criativo (Ghana)

Nessa entrevista da série EcoSisters, Mawukplorm Harriet Abla Adjahoe, designer de performance ganesa com mais de dez anos de experiência, compartilha como observar o desperdício de cenários pós-espetáculo despertou sua consciência ecológica. Doutora formada pelo programa DAAD focado nos ODS da ONU, ela trabalha com biomimética e economia circular, transformando plástico, madeira e tecidos descartados em cenografias que incorporam histórias e texturas dos materiais. Para Mawukplorm, circularidade é filosofia cultural de cuidado com materiais, pessoas e ambientes. Ela não vê sustentabilidade como limitação estética, mas como convite à criatividade profunda, redefinindo beleza através de integridade ética e ecológica. Defende políticas institucionais verdes e centros de recursos sustentáveis para fortalecer práticas eco-artísticas na África.

Mawukplorm Adjahoe é uma cenógrafa com experiência em direção artística e cenografia sustentável. Ela é uma estudiosa de artes cênicas que está transformando o teatro ganês por meio da sustentabilidade. Com mais de dez anos de experiência e doutorado na Universidade de Cape Coast e na Universidade de Hildesheim, ela é especialista em design “verde”, transformando resíduos em cenários de alto impacto. De colaborações internacionais a iniciativas comunitárias locais, seu trabalho se concentra na educação ambiental e no patrimônio cultural. Como mentora e inovadora, ela lidera o movimento por performances ecologicamente conscientes, garantindo que as artes em Gana sejam tão ambientalmente responsáveis quanto criativamente inspiradoras.

Você poderia se apresentar?

Meu nome é Mawukplorm Harriet Alba Adjahoe e sou uma designer de performance e pesquisadora ganesa com grande interesse em design cênico sustentável e práticas de teatro ecológico. Trabalho com teatro e performance há mais de dez anos, acumulando experiência em design cênico, construção de palcos e direção.

Meu trabalho criativo combina a estética natural ganesa com métodos ambientalmente sustentáveis. Tenho especial interesse em ideias como biomimética, economia circular e encontrar maneiras criativas de reutilizar materiais que, de outra forma, seriam desperdiçados. Ao longo dos anos, tive a oportunidade de colaborar e liderar várias produções, incluindo Asana, The Piano Lesson, Once Upon Four Robbers e The Marriage of Anansewa.

Paralelamente à minha prática de design, ensino e conduzo pesquisas na Universidade de Cape Coast, em Gana. Meu foco é em artes ecológicas, sustentabilidade cultural e design de performance. Através do meu trabalho, estou continuamente explorando como o teatro pode incentivar formas mais saudáveis de criar e viver.

Você pode falar sobre como surgiu o seu interesse por sustentabilidade?

Meu interesse pela sustentabilidade no design de performances desenvolveu-se gradualmente através da experiência prática e da reflexão contínua sobre o impacto ambiental da produção teatral. No início da minha carreira, comecei a perceber a quantidade de resíduos gerados após cada espetáculo — cenários e adereços lindamente elaborados, feitos com tanto cuidado e criatividade, eram frequentemente jogados fora assim que a apresentação terminava. Essa experiência me fez questionar o ciclo de vida dos materiais no teatro e como o design poderia ser abordado de forma a reduzir o desperdício e incentivar a reutilização.

Durante meus estudos de pós-graduação, fui apresentada a estruturas como ecocenografia e biomimética, que mudaram completamente a minha maneira de pensar sobre o design. Comecei a ver o design cênico não apenas como decoração ou pano de fundo para a performance, mas como uma prática que carrega significado ecológico e ético. Fiquei especialmente atraída pela ideia de que o design poderia incorporar princípios como regeneração, adaptação e interdependência — refletindo a maneira como os ecossistemas naturais funcionam.

Essa curiosidade se aprofundou durante minha pesquisa de doutorado, na qual me concentrei na ideia do desperdício como recurso criativo. Esse trabalho me permitiu conectar minha prática artística com a consciência ambiental e o contexto cultural, experimentando materiais locais, descartados e naturais para criar cenografias sustentáveis que refletem a realidade dos palcos ganenses.

Você pode me contar mais sobre suas práticas de design sustentável?

Minha prática de design sustentável é construída em torno da ideia de repensar materiais, processos e significados dentro dos espaços de performance. Em termos práticos, isso significa que frequentemente trabalho com materiais recuperados, reciclados e de origem local. Vejo o lixo como um recurso criativo, em vez de um subproduto, explorando como itens descartados, como plástico, madeira, metal e tecido, podem ganhar nova vida como parte do ambiente do palco. Também me inspiro na biomimética — estudando como os sistemas naturais resolvem desafios de estrutura, textura e adaptação — e traduzindo essas ideias em cenografia.

Mas, para mim, a sustentabilidade vai além dos materiais. Trata-se também de colaboração e educação. Dou grande ênfase ao envolvimento das comunidades no processo criativo, convidando artistas, estudantes e artesãos para cocriar e aprender juntos. Essa abordagem coletiva não apenas minimiza o desperdício, mas também fortalece os laços culturais e aprofunda a consciência ambiental.

Em última análise, meu objetivo é mostrar que estética e sustentabilidade não estão em conflito, elas podem se complementar lindamente quando o design é moldado pela imaginação, pelo respeito ao contexto e pela sensibilidade ecológica.

Como você traz a circularidade para seus processos de design?

A circularidade está no centro da minha forma de pensar e trabalhar como designer de performances. Vejo-a não apenas como um processo material, mas como uma filosofia criativa e cultural — que valoriza a continuidade, a regeneração e a transformação em detrimento do ciclo tradicional de produção e descarte.

Antes de iniciar um projeto, mapeio o ciclo de vida potencial dos materiais que pretendo utilizar. Considero o que pode ser reutilizado, reaproveitado ou biodegradado após o término da performance. Por exemplo, projeto elementos cênicos que sejam modulares e adaptáveis, para que possam ser reconfigurados para produções futuras, em vez de jogados fora. Também priorizo materiais de origem local, cuja proveniência e destino final posso rastrear, ajudando a reduzir o impacto ambiental geral de cada projeto.

Outro aspecto fundamental da circularidade na minha prática envolve o compartilhamento de conhecimento e a colaboração. Trabalho em estreita colaboração com artesãos e estudantes locais para explorar materiais sustentáveis e técnicas criativas, criando uma troca contínua de aprendizagem que nutre tanto a consciência ecológica quanto o artesanato. Esse ciclo, entre o criador, o material e a comunidade, garante que o que construímos juntos tenha uma vida além do palco.

Em essência, a circularidade para mim é tanto um método de design quanto uma ética de cuidado — cuidado com os materiais, com as pessoas e com os ambientes em que vivemos e representamos através do teatro.

Como você incorpora a eco-criatividade em seus processos de design?

Para mim, a eco-criatividade consiste em reimaginar a criação artística como um ato ecológico, que reconhece as profundas conexões entre as pessoas, os materiais e o mundo natural. Considero o processo de design em si como uma espécie de ecossistema vivo, onde ideias, materiais e colaboradores interagem e evoluem juntos.

Minha abordagem começa com a observação de como a natureza funciona — como as plantas crescem, como os organismos se adaptam e como as estruturas do mundo natural equilibram força e fragilidade. Esses padrões muitas vezes orientam minhas decisões de design através das lentes da biomimética, onde a natureza não apenas inspira a aparência de uma peça, mas também informa sua lógica e estrutura.

Na prática, gosto de experimentar com materiais encontrados ou descartados, deixando que suas texturas, histórias e limitações influenciem o design final. Esse processo incentiva tanto a criatividade quanto a humildade, trata-se de criar com consciência, usando apenas o que é necessário e encontrando beleza na simplicidade e no propósito.

Trazer a eco-criatividade para o meu trabalho significa permitir que o pensamento ecológico impulsione a inovação artística, onde a imaginação e o cuidado com o meio ambiente se tornam um só.

Você acha que ser sustentável é uma limitação na sua estética?

Não vejo a sustentabilidade como uma limitação à estética. Vejo-a como um convite a uma criatividade e um significado mais profundos. As restrições muitas vezes estimulam a inovação e, para mim, a sustentabilidade oferece exatamente esse tipo de estrutura produtiva. Ela me leva a pensar de forma mais crítica sobre a forma, a função e a materialidade. Isso significa projetar de maneira proposital, fundamentada e contextualmente significativa.

Trabalhar de forma sustentável me incentivou a experimentar materiais e técnicas não convencionais, muitas vezes levando a uma estética mais rica em história e simbolismo. Por exemplo, transformar objetos descartados em elementos cênicos permite que materiais com suas próprias histórias e texturas ganhem nova vida, adicionando autenticidade e profundidade ao espaço de apresentação.

A sustentabilidade também amplia a minha compreensão da beleza. Ela muda o foco do apelo puramente visual para incluir a integridade ética e ecológica. Para mim, um design que respeita o meio ambiente, valoriza o artesanato local e comunica um significado cultural tem um valor estético mais profundo. Nesse sentido, a sustentabilidade não limita a criatividade, ela a redefine. Ela se torna uma estética de cuidado, consciência e transformação.

Você já trabalhou com uma organização que tem uma política ambiental?

Tecnicamente, não. Mas, em outro nível, eu diria que sim (espero que eles contem).

Tive a sorte de receber uma bolsa de estudos da Escola de Pós-Graduação SDG financiada pela DAAD, “Performing Sustainability: Cultures and Development in West Africa” (Sustentabilidade em ação: culturas e desenvolvimento na África Ocidental), na qual fiz meu doutorado. Toda a estrutura do programa era baseada nos Objetivos de Desenvolvimento Sustentável (ODS) das Nações Unidas, com forte foco em justiça social, sustentabilidade ambiental e econômica, resiliência cultural e produção responsável.

Por meio dessa iniciativa, meu trabalho ficou intimamente alinhado com os esforços institucionais para promover a eficiência de recursos, práticas de pesquisa sustentáveis e design orientado para a comunidade. A experiência fortaleceu minha convicção de que a sustentabilidade não deve ser vista como um complemento opcional, mas como uma filosofia central que orienta a tomada de decisões artísticas, acadêmicas e até mesmo administrativas.

Além do ambiente acadêmico, continuei a defender esses valores em meu ensino e colaborações, particularmente por meio do meu trabalho com a Performing Positivity (PerPos) Ghana, uma organização sem fins lucrativos. Juntos, defendemos políticas de ecoarte mais claras e a adoção de diretrizes de produção verde, garantindo que a sustentabilidade se torne parte integrante dos processos criativos e da cultura organizacional.

O que tornaria mais fácil para você fazer as coisas de uma forma mais sustentável?

O que facilitaria trabalhar de forma mais ecológica seria um apoio institucional e infraestrutural mais forte para práticas criativas sustentáveis. Embora o compromisso pessoal seja vital, o design sustentável realmente floresce quando há responsabilidade coletiva e apoio político.

Um grande desafio é o acesso a materiais e tecnologias ecológicos, que continua limitado em muitas partes da África. O desenvolvimento de indústrias locais que reciclam, reutilizam ou produzem materiais sustentáveis a custos acessíveis faria uma enorme diferença. Da mesma forma, a criação de centros de troca de materiais ou centros de recursos de arte ecológica dentro das comunidades criativas poderia tornar a reutilização e a circularidade muito mais viáveis na prática.

A educação e a defesa da causa são igualmente importantes. Incorporar a sustentabilidade nos currículos de teatro e design e proporcionar desenvolvimento profissional contínuo em eco-artes ajudariam a formar uma nova geração de designers que pensam ecologicamente desde o início de suas carreiras.

Por último, políticas ambientais claras dentro das instituições artísticas e dos órgãos de financiamento proporcionariam orientação e responsabilidade. Quando a sustentabilidade se torna uma expectativa comum, em vez de uma exceção, cria as condições certas para que os designers inovem com ousadia e responsabilidade.