In this interview from the EcoSisters series, Szu-Feng Chen, a Taiwanese set designer with over 20 years’ experience, reveals how her artistic exploration of texture as emotional language led her to sustainable practices. A professor at the University of New Hampshire, she works with unconventional and repurposed materials, creating modular structures shareable across productions. Szu-Feng has transformed restaurant waste into immersive installations and incorporates discarded CDs, used fabrics, and plastics into her set designs. For her, sustainability isn’t a limitation but a creative catalyst that deepens narratives conceptually and emotionally. She highlights that institutional support, local material-sharing networks, and flexible budgets would facilitate greener theatre practices.
Szu-Feng Chen is an artist, designer, and educator from Taiwan. She holds an MFA in Theatrical Design from the University of Texas at Austin and currently serves as Professor and Director of Design and Theatre Technology at the University of New Hampshire. Her interest in integrating unconventional materials has fuelled her passion for sustainable practices in visual storytelling. Throughout her career, she has collaborated on over a hundred productions worldwide. Her work has been presented at the Prague Quadrennial, World Stage Design, and other international venues. Szu-Feng has received numerous awards, including UNH’s Gold Sustainability Award and Outstanding Assistant Professor Award.
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Facebook or Instagram: @szufengchen
Email: szu-feng.chen@unh.edu
LinkedIn: Szu-Feng-Chen
*You can find the interview translated into Portuguese below.
Could you please introduce yourself?
My name is Szu-Feng Chen. I am an artist, designer, and educator, specialising in theatrical set design. I received my undergraduate design training from Taipei National University of the Arts in Taiwan, my home country. I came to the United States to further my study at the University of Texas at Austin and has since developed my career as a U.S. based designer.
In the past 20+ years, I have collaborated with artists around the world on more than a hundred productions. My work has been showcased at major events such as the Prague Quadrennial, World Stage Design, and USITT. Currently, I serve as Director of Design and Theatre Technology and teach courses in set design, costume design, and design fundamentals at the University of New Hampshire (UNH). I was one of the recipients for the UNH Faculty Substitutability Award.
Can you talk about how did your interest in sustainability come about?
My passion for sustainability grew from my artistic exploration of texture as an emotional language in design. I’ve always been fascinated by how materials can communicate feelings beyond their visual appearance. For example, a gleaming metal panel can suggest coldness, isolation, or rigidity, while plush upholstery radiates warmth and comfort. Similarly, rough, weathered wood might evoke resilience and history, whereas delicate paper layers can convey fragility and impermanence. I believe these sensory qualities allow the audience to experience the story on a visceral level.
This curiosity led me to experiment with unconventional and found materials, which naturally aligned with sustainable practices. A pivotal moment was my design for Sila (2014), a play about climate change and disappearing Inuit culture, by Chantal Bilodeau. For this premiere production, I used recycled and repurposed elements that suggested the icy texture of the Arctic land with seemly fragile structures. These materials were gathered from the University of New Hampshire (UNH) campus to reflect on the themes while deepening students’ environmental awareness of the waste generated from their daily functions. Since then, sustainability has become integral to my design philosophy, both as an ecological responsibility and as a source of creative inspiration.
Can you tell me more about your sustainable design practices?
Because of my responsibilities at the university, most of my design work at UNH is for productions carefully selected by our Season Planning Committee to meet educational and training goals for our students. Outside of UNH, my limited availability often leads to commissions for plays or musicals rather than independent projects centered on ecoscenography. Within this structured framework, my sustainable design practices have evolved to focus on resource-conscious creativity and intentional planning, finding innovative ways to reduce waste and carbon footprints, and integrate sustainability without compromising the artistic vision of each production. Examples of my practice includes:
Planning for modular structure: I develop scenery structures that can be shared for the season. For example, the platforms in the musical Bright Star were transformed into organic rock formations for the play The Odyssey, reducing waste and labor while creating completely different visuals for various production needs.
Value the emotional impact of repurposed materials: I’ve incorporated used plastics, wood, metal, netting, rubber mulch, cork, paper, CD discs, dishes, foams, etc., in my design to support storytelling. In Hecuba, I used discarded fabrics from theatre storage, each carrying its own history with tears and stains, to mirror the scars and trauma in the play.
Waste-to-Art installations: For Extinction Feast, an eco-theatre piece about overconsumption produced by The Theatre Practice (TTP) in Singapore, I transformed seafood restaurant and wet market discards into an immersive set, enveloping the audience in a visual metaphor for pollution and consumption.
Educational integration: In addition to ecology themed projects in my courses, students create models and costumes from recycled magazines, cardboard, and fabrics, fostering eco-conscious habits early in their process.
[3][4] 2023 Four Houses Road, a Site-specific multilingual interactive performance at 11 locations in 2 heritage buildings, The Theatre Practice, Director: Kuo Jian Hong, Ang Xiao Ting, Isabella Chiam, Playwright: Jonathan Lim, Set Design: Szu-Feng Chen, Costume Design: Max Tan, Lighting Design: Genevieve Peck, Photo credit: The Theatre Practice.
How do you bring circularity into your design processes?
I believe circularity begins with conscious planning for adaptability. Before starting a design, I assess existing stock and incorporate reusable elements, ensuring that scenic units are built modularly so they can be reconfigured for future productions. I also prioritise materials that can be easily dismantled, recycled, or repurposed after the show. For example, in Four Horses Road, a TTP production, I reused scenic items from the company’s previous shows and even integrated fire-damaged pieces after the accident during the production period into the narrative, turning an unexpected challenge into a creative opportunity, and adding layers of meaning to storytelling.
How do you bring eco-creativity into your design processes?
Eco-creativity for me means embracing ecological thinking as a design driver rather than treating it as an afterthought. My concept development process roots deeply in the emotional responses to the story and the relationship between person(s) and space(s). As mentioned before, I enjoy the inherent qualities of materials that spark emotional connections between the design and the narrative. I also explore symbolic metaphors through them. In Eurydice, for example, I used string curtains to represent rain connecting the life and death, a poetic image that conveyed the tears of the sky while minimising material use.
Additionally, I enjoy exploring site-specific storytelling that responds to the environment and the existence within and transforming space into a living dialogue between past and present.
Weaving eco-creativity into my process allows me to make intentional design choices that not only aligns my sustainability philosophy but also deepen the storytelling both conceptually and emotionally.
Do you think that being sustainable is a limitation in your aesthetics?
Not at all. Sustainability is a creative catalyst. It pushes me to think beyond conventional solutions and discover new ways to tell stories. It often results in designs that are more conceptually layered and visually interesting.
Have you ever worked with an organization that has an environmental policy?
Yes. I have collaborated with The Theatre Practice in Singapore, which values resource-conscious design, and I align my work with UNH’s STARS Platinum sustainability status. Additionally, I engage with initiatives like the Broadway Green Alliance Green Captains program, encouraging students to participate in the program to promote greener practices in theatre.
What would make it easier for you to do things in a greener way?
Institutional support and collaboration are key to making sustainable practice more accessible for artists who work under a similar framework to mine. There are several factors that would help with designers like me, who are in a rural area with limited local resources:
- Easy access to eco-friendly theatrical supplies, such as sustainable paints, adhesives, and fabrics.
- Local material sharing networks within and across institutions to reduce waste and costs.
- Budget flexibility to prioritise sustainable choices, which sometimes require upfront investment.
- Continuous industry-wide education and promotion for green theatre practices, making sustainability a norm rather than an exception.
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EcoSisters: Szu-Feng Chen sobre Materiais não Convencionais e Criatividade Consciente dos Recursos (Taiwan/EUA)
Nessa entrevista da série EcoSisters, Szu-Feng Chen, cenógrafa taiwanesa com mais de 20 anos de experiência, revela como sua exploração artística de texturas como linguagem emocional a levou às práticas sustentáveis. Professora na University of New Hampshire, ela trabalha com materiais não convencionais e reaproveitados, criando estruturas modulares compartilháveis entre produções. Szu-Feng transformou resíduos de restaurantes em instalações imersivas e incorpora CD descartados, tecidos usados e plásticos em suas cenografias. Para ela, sustentabilidade não é limitação, mas catalisador criativo que aprofunda narrativas conceituais e emocionais. Destaca que apoio institucional, redes locais de compartilhamento de materiais e orçamentos flexíveis facilitariam práticas mais verdes no teatro.
Szu-Feng Chen é artista, designer e educadora de Taiwan. Possui título de MFA em Design Teatral pela University of Texas at Austin e atualmente atua como professora e diretora de Design e Tecnologia Teatral na University of New Hampshire. Seu interesse na integração de materiais não convencionais impulsionou sua dedicação a práticas sustentáveis na narrativa visual. Ao longo de sua carreira, colaborou em mais de cem produções em diferentes partes do mundo. Seu trabalho foi apresentado na Quadrienal de Praga, World Stage Design e em outros espaços internacionais. Szu-Feng recebeu diversos prêmios, entre eles o Gold Sustainability Award da UNH e o Outstanding Assistant Professor Award.
Você poderia se apresentar?
Meu nome é Szu-Feng Chen. Sou artista, designer e educadora, com especialização em cenografia teatral. Realizei minha formação de graduação em design na Taipei National University of the Arts, em Taiwan, meu país de origem. Posteriormente, fui para os Estados Unidos para aprofundar meus estudos na University of Texas em Austin e, desde então, desenvolvi minha carreira como designer baseada nos EUA.
Ao longo de mais de 20 anos de atuação profissional, colaborei com artistas de diversas partes do mundo em mais de cem produções. Meu trabalho foi apresentado em eventos de grande relevância internacional, como a Prague Quadrennial, World Stage Design e a USITT. Atualmente, atuo como Diretora de Design e Tecnologia Teatral e leciono disciplinas de cenografia, figurino e fundamentos de design na University of New Hampshire (UNH). Fui uma das contempladas com o UNH Faculty Substitutability Award.
Você pode falar sobre como surgiu seu interesse por sustentabilidade?
Meu interesse pela sustentabilidade surgiu a partir da minha investigação artística sobre a textura como linguagem emocional no design. Sempre fui fascinada pela maneira como os materiais comunicam sensações para além de sua aparência visual. Por exemplo, um painel metálico brilhante pode sugerir frieza, isolamento ou rigidez, enquanto um estofamento macio transmite calor e conforto. Da mesma forma, uma madeira áspera e desgastada pode evocar resiliência e história, enquanto camadas delicadas de papel comunicam fragilidade e impermanência. Acredito que essas qualidades sensoriais permitem que o público experimente a narrativa em um nível visceral.
Essa curiosidade me levou a experimentar materiais não convencionais e materiais encontrados, o que naturalmente se alinhou a práticas sustentáveis. Um momento decisivo foi o projeto de cenografia para Sila (2014), peça de Chantal Bilodeau que aborda as mudanças climáticas e o desaparecimento da cultura inuíte. Para a produção de estreia, utilizei elementos reciclados e reaproveitados que sugeriam a textura gelada da paisagem ártica por meio de estruturas aparentemente frágeis.
Esses materiais foram coletados no campus da UNH, estabelecendo uma relação direta com os temas da peça e ampliando a consciência ambiental dos estudantes sobre os resíduos gerados em suas atividades cotidianas. Desde então, a sustentabilidade tornou-se parte integrante da minha filosofia de design, tanto como responsabilidade ecológica quanto como fonte de inspiração criativa.
Você pode me contar mais sobre suas práticas de design sustentável?
Devido às minhas responsabilidades na universidade, a maior parte do meu trabalho como designer na UNH está vinculada a produções cuidadosamente selecionadas pelo Comitê de Planejamento de Temporada, com o objetivo de atender às metas pedagógicas e formativas dos estudantes. Fora da UNH, minha disponibilidade limitada faz com que eu seja frequentemente convidada para trabalhar em peças e musicais, em vez de projetos independentes centrados especificamente na ecocenografia.
Dentro dessa estrutura institucional, minhas práticas de design sustentável evoluíram no sentido de uma criatividade consciente do uso de recursos e de um planejamento intencional, buscando formas inovadoras de reduzir resíduos e a pegada de carbono, sem comprometer a visão artística de cada produção.
Alguns exemplos dessas práticas incluem:
Planejamento de estruturas modulares: desenvolvo cenografias com estruturas que podem ser compartilhadas ao longo da temporada. Por exemplo, os praticáveis utilizados no musical Bright Star foram posteriormente transformados em formações rochosas orgânicas para a peça The Odyssey, reduzindo desperdício e trabalho, ao mesmo tempo em que criavam visuais completamente distintos.
Valorização do impacto emocional de materiais reaproveitados: incorporo plásticos usados, madeira, metal, redes, borracha triturada, cortiça, papel, discos de CD, louças, espumas, entre outros materiais, como parte da narrativa cênica. Em Hecuba, utilizei tecidos descartados dos depósitos de teatro, cada um carregando sua própria história – rasgos, manchas e marcas do tempo – para refletir as cicatrizes e os traumas presentes na obra.
Instalações de resíduos transformados em arte (waste-to-art): em Extinction Feast, uma obra de eco-teatro sobre o consumo excessivo produzida pela companhia The Theatre Practice (TTP), em Singapura, transformei resíduos de restaurantes de frutos do mar e de mercados públicos em um cenário imersivo, envolvendo o público em uma metáfora visual sobre poluição e consumo.
Integração pedagógica: além de projetos com temática ecológica em minhas disciplinas, os estudantes criam maquetes e figurinos a partir de revistas recicladas, papelão e tecidos reaproveitados, estimulando hábitos ecoconscientes desde as etapas iniciais do processo criativo.
Como você incorpora a circularidade em seus processos de design?
Acredito que a circularidade começa com um planejamento consciente voltado à adaptabilidade. Antes de iniciar um projeto, avalio os materiais e estruturas já disponíveis e incorporo elementos reutilizáveis, garantindo que as unidades cenográficas sejam construídas de forma modular, para que possam ser reconfiguradas em produções futuras. Também priorizo materiais que possam ser facilmente desmontados, reciclados ou reaproveitados após o término da temporada. Por exemplo, em Four Horses Road, uma produção da TTP, reutilizei elementos cenográficos de espetáculos anteriores da companhia e, inclusive, integrei peças que haviam sido danificadas por um incêndio ocorrido durante o período de produção à própria narrativa da obra. Dessa forma, um desafio inesperado transformou-se em oportunidade criativa, acrescentando novas camadas de significado à encenação.
Como você incorpora a eco-criatividade em seus processos de design?
Para mim, eco-criatividade significa adotar o pensamento ecológico como motor do design, e não como um aspecto secundário. O desenvolvimento conceitual do meu trabalho está profundamente enraizado nas respostas emocionais à narrativa e na relação entre pessoas e espaços.
Como mencionei anteriormente, valorizo as qualidades intrínsecas dos materiais, que despertam conexões emocionais entre o design e a história. Também exploro metáforas simbólicas por meio deles. Em Eurydice, por exemplo, utilizei cortinas de fios para representar a chuva como elemento de ligação entre a vida e a morte – uma imagem poética que evocava as lágrimas do céu, ao mesmo tempo em que minimizava o uso de materiais.
Além disso, gosto de explorar narrativas site-specific que respondem ao ambiente e à história do lugar, transformando o espaço em um diálogo vivo entre passado e presente.
Integrar a eco-criatividade ao meu processo me permite fazer escolhas de design intencionais, que não apenas se alinham à minha filosofia de sustentabilidade, mas também aprofundam a narrativa tanto no plano conceitual quanto no emocional.
Você acha que ser sustentável é uma limitação na sua estética?
De forma alguma. A sustentabilidade é um catalisador criativo. Ela me estimula a ir além das soluções convencionais e a descobrir novas maneiras de contar histórias. Com frequência, isso resulta em cenografias mais complexas do ponto de vista conceitual e mais interessantes visualmente.
Você já trabalhou com alguma organização que tem uma política ambiental?
Sim. Colaborei com a companhia The Theatre Practice, em Singapura, que valoriza o design consciente no uso de recursos, e também alinho meu trabalho às diretrizes de sustentabilidade da UNH, que possui certificação STARS Platinum. Além disso, participo de iniciativas como o programa Green Captains da Broadway Green Alliance, incentivando os estudantes a se envolverem e promoverem práticas mais sustentáveis no teatro.
O que tornaria mais fácil para você fazer as coisas de uma forma mais sustentável?
O apoio institucional e a colaboração são fundamentais para tornar as práticas sustentáveis mais acessíveis a artistas que trabalham dentro de estruturas semelhantes às minhas. Para designers que atuam em regiões rurais, com acesso limitado a recursos locais, alguns fatores fariam grande diferença:
- Acesso facilitado a insumos teatrais ecologicamente responsáveis, como tintas, adesivos e tecidos sustentáveis;
- Redes locais de compartilhamento de materiais, dentro e entre instituições, para reduzir desperdícios e custos;
- Flexibilidade orçamentária para priorizar escolhas sustentáveis, que muitas vezes exigem investimentos iniciais maiores;
- Educação contínua e promoção, em âmbito setorial, de práticas de teatro sustentável, de modo que a sustentabilidade se torne a norma, e não a exceção.
Legenda das fotos:
[1] 2014 Sila, UNH Theatre & Dance, Diretora: Deb Kinghorn, Dramaturga: Chantal Bilodeau, Cenografia: Szu-Feng Chen, Figurino: Sara Demos, Iluminação e Projeção: Megan Reilly, Bonecos: Carol Fisher, Urso Polar: Carol Fisher e David Fitcher.
[2] 2021 Hécuba, Teatro e Dança da UNH, Diretor: David Kaye, Cenografia: Szu-Feng Chen, Figurino: Victoria Carot, Iluminação: Lih-Hwa Yu.
[3][4] 2023 Four Houses Road, uma performance interativa multilíngue site-specific em 11 locais em 2 edifícios históricos, The Theatre Practice, Diretor: Kuo Jian Hong, Ang Xiao Ting, Isabella Chiam, Dramaturgo: Jonathan Lim, Cenografia: Szu-Feng Chen, Figurino: Max Tan, Iluminação: Genevieve Peck, Crédito da foto: The Theatre Practice.
[5] 2024 Eurydice, Firehouse Center for the Arts, Diretor: David Kaye, Dramaturga: Sarah Ruhl, Cenografia: Szu-Feng Chen, Figurino: Victoria Carot, Iluminação: Lih-Hwa Yu, Fotos: Tim Gurczak @timgurczak.
[6] 2022 Extinction Feast, The Theatre Practice, Cingapura, Diretor: Ang Xiao Ting, Dramaturga: Nabilah Said, Cenografia: Szu-Feng Chen, Figurino: Max Tan, Iluminação: Liu Young Huay, Design multimídia: Elizabeth Mak, Crédito fotográfico: The Theatre Practice.
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