EcoSisters: Tzu-Han Lu (Hanna) on the Body as Energy and Performance as Sustainable Practice (Taiwan) 

In this interview from the EcoSisters series, Tzu-Han Lu, a Taiwanese performance artist and researcher, explains how a simple question from her father about theatre air-conditioning awakened her awareness of sustainability in the performing arts. Since 2019, through the Artenergy Generation platform, she has worked with the body as an energy source, using piezoelectric floors that convert movement into electricity – where audiences generate energy for lighting and sound through their actions. Lu extends circularity by transforming set materials into community workshops. A PhD student in sustainability management, she believes sustainability doesn’t limit aesthetics but strengthens embodied experiences, making beauty something to be experienced, not just visually observed. 

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Email: artenergygeneration@gmail.com
Instagram: https://www.instagram.com/hanna_artenergy/

*You can find the interview translated into Portuguese below. 

Could you please introduce yourself? 

I am Tzu-Han Lu, a performance artist and researcher based in Taiwan. Since 2019, my work has focused on exploring how sustainable development can be integrated into performance creation and pedagogical practice. I am committed to transforming artistic experiences into concrete forms of sustainable action, positioning performance itself as a site for practicing and advancing sustainability values. 

In 2019, I initiated Artenergy Generation, an advocacy platform that collaborates with artists from diverse disciplines to develop sustainable artworks and arts education practices. Through these collaborations, artists are encouraged to contribute their professional expertise, allowing art to function as a driving force for collective well-being and intergenerational sustainability. 

Working at the intersection of artistic practice and education, I focus on sustainable development in the arts and cultural sector, sustainable artistic creation, and participatory sustainability-oriented pedagogy. By connecting government bodies, enterprises, artists, audiences, and various stakeholders, I use art as a medium for cross-sector collaboration and public engagement, guiding participants to translate sustainability principles into everyday action. 

Alongside my creative practice, I maintain an active research trajectory. I am currently a PhD student at the Graduate Institute of Sustainability Management and Environmental Education, National Taiwan Normal University. I hold a Master’s degree from the Graduate Institute of Arts and Humanities Education, Taipei National University of the Arts, and a Bachelor’s  Degree in Dance from the National Taiwan University of Sport. 

Throughout this process, research serves as a critical support for practice. My academic and professional background spans dance, arts education, and sustainability management. Beginning with dance training, I gradually extended embodied practice into educational contexts, and later into sustainability management and environmental education research. My doctoral research examines how the arts and cultural sector—and performance in particular—can respond to sustainable development and environmental governance challenges. Through the integration of artistic practice, teaching experience, and theoretical inquiry, I continue to explore the potential of art as a medium for cross-disciplinary collaboration and public participation. 

How did your interest in sustainability come about? 

My interest in sustainable development did not originate from abstract theories, but rather from an everyday question. Early in my work in the performing arts, my father once asked me, “Why is the air conditioning in performance venues always set so cold?” This seemingly simple question made me aware, for the first time, of the significant energy consumption and environmental costs behind performing arts production, and prompted me to reflect on the relationship between art and the environment. 

As I continued my long-term training in dance and engagement in performance creation, I gradually realised that the body itself is a source of energy. This embodied experience led me to imagine whether performance, instead of merely consuming resources, could actively respond to issues of energy and the environment. This line of thinking became an important starting point for my later efforts to connect the body, energy, and sustainability. 

Subsequently, encountering international examples of walk-generated electricity and green technologies such as piezoelectric floors allowed me to see, in very concrete terms, how human movement can be linked to energy transformation. These experiences not only expanded my creative perspective but also made me realize that sustainability is not an abstract concept—it is something that can be designed, experienced, and physically perceived. 

Beyond artistic creation and teaching practice, I have gradually deepened my understanding of sustainability through academic research, engaging with sustainability management, environmental education, and governance frameworks related to the cultural sector. This has enabled me to rethink the role of performing arts in sustainable development from institutional, industrial, and educational perspectives, rather than limiting it to individual works or isolated actions. 

For me, sustainable development is not an additional task imposed on art, but a pathway formed through the accumulation of everyday experience, embodied practice, creative action, and critical reflection. I therefore continue to explore how art can function as a site for dialogue, participation, and the advancement of concrete sustainable action. 

Can you tell me more about your sustainable design practices? 

Within the context of contemporary performance responding increasingly to climate change and sustainable development, sustainability is often understood as a set of technical indicators or production standards—such as energy efficiency, carbon reduction, or material substitution. For me, however, sustainability is not an additional condition applied to art, but a relational structure that must be redesigned: how bodies act, how energy is generated, how audiences participate, and how art repositions itself in a world of limited resources. 

To me, the body is not merely a tool for expression, but a form of energy in itself. It was from this embodied awareness that I began to question the long-standing role of performance as an energy consumer, and to ask whether performance might move beyond resource consumption to actively respond to— or even intervene in—questions of energy and the environment. This question became a key starting point for my subsequent sustainable design practice. 

In my collaborative work Before Fading Away, I take “the body as energy” as the core design concept. Through piezoelectric floors and interactive power-generating devices, the movements, steps, and dances of performers and audiences are immediately converted into electricity, powering stage lighting, sound, or installations. Within this design, energy is no longer an invisible or taken-for-granted background condition, but a system that is tangible, perceptible, and responsive. 

In the performance space, audiences are no longer passive spectators; through their own actions, they become part of the process of energy generation, directly experiencing the causal relationship between action, energy, and resources. For me, this is the most significant meaning of sustainable design in performance: allowing sustainability not only to be understood intellectually, but to be experienced physically through the body. 

How do you bring circularity into your design processes? 

After the performance of Before Fading Away concluded, I did not allow the work to end with the closing of the stage. Instead, I reflected on the afterlife and potential of the production materials. I invited a resin fluid art artist to collaborate, transforming materials that might otherwise be regarded as waste into new forms, thereby extending the life cycle of the work through the project “Theatre Regeneration – Sustainable Coaster Making Workshop & Secondary Creation Exhibition”. 

Centered on the idea of “turning theatrical waste into valuable objects”, the workshop reorganised and repurposed materials used in the performance, transforming them into creative media. This approach enabled participants— including those who had not seen the original performance— to engage with the sustainability concepts embedded in the work. During the workshop, participants created their own sustainable coasters and wrote personal stories reflecting on sustainability, resource circulation, and everyday choices. 

The completed coasters and written reflections were then brought together in a secondary creation exhibition. Materials that once existed only within the theatre were transformed into everyday objects that could be touched, used, and displayed, while also serving as carriers of participants’ diverse sustainability imaginaries and personal narratives. Through this extended process, I sought to ensure that Before Fading Away was not merely a performance, but a cyclical creative practice—one that could be taken up by others, reinterpreted, and continue to generate meaning over time. 

How do you bring eco-creativity into your design processes? 

In my creative and design process, the body, experience, and perception form the core method through which I integrate ecological creativity into performance practice. Rather than beginning with abstract ecological theories or sustainability indicators, I choose the body as my point of departure, returning ecological questions to the level of how people physically experience resources and the environment. 

For me, the body is not merely a medium of expression, but a form of energy in itself. Through movement, breathing, fatigue, and rhythm, energy becomes tangible and perceptible, rather than remaining an invisible technological system. This embodied experience allows participants to sense the finiteness of resources through action, and to recognise the relationship between their own behavior and the environment. 

In the design process, I treat experience as a key design material. From the outset, I consider how audiences participate, when they become aware of energy generation and consumption, and which actions produce immediate feedback. Stage operations, interactive mechanisms, and energy systems are therefore designed together. Through careful attention to perception, ecological creativity is transformed into a process that can be physically experienced. Audiences do not simply understand sustainability as a concept; through bodily energy, light, sound, and feedback, they directly feel the flow of energy and the consequences of action. In this way, I see performance as a practice-based site that can respond to ecology, foster participation, and continuously generate meaning. 

Do you think sustainability limits your aesthetics? 

Coincidentally, my doctoral research focuses precisely on the performance aesthetics of sustainable theatre. 

I do not believe that sustainability limits my sense of aesthetics; rather, I see it as strengthening how embodied aesthetics are generated. When sustainability becomes a precondition for creation, beauty no longer emerges solely from the accumulation of form, visuality, or materials, but from how bodies, energy, and relationships are reorganised within conditions of limited resources. 

In my practice, the body is not merely a tool for expression, but a form of energy in itself. Breathing, weight, fatigue, and rhythm directly shape everything that unfolds on stage and is perceived by the audience. As a result, aesthetics are no longer a pre-determined outcome, but a state that must be sustained through action and can disappear at any moment. For me, such constraints do not diminish beauty; instead, they render bodily aesthetics more intense and more honest. 

Sustainability also shifts aesthetics from being something merely seen to something experienced. When the environment is no longer an invisible backdrop but must be generated in real time through bodily action, the beauty of performance does not reside only in images but is perceived through process. Audiences can sense the flow of energy and the consequences of action through their own participation, and this sensory awareness itself constitutes an aesthetic experience. 

Therefore, I do not regard sustainability as a restriction on aesthetics, but as a condition that prompts me to rethink how performance can exist within realities of limited resources and necessary collaboration. For me, beauty is rediscovered and continually generated precisely within these conditions. 

Have you worked with organisations with environmental policies? 

In 2025, I actively participated in a project related to Taiwan’s Ministry of Environment’s “Net-Zero Green Living” initiative, where I served as Project Manager, responsible for the overall planning and implementation of behavior design training materials and green talent cultivation programmes. 

In practice, our approach began with everyday contexts and user behavior. Through empathy, problem definition, and scenario design, we translated abstract net-zero policy goals into concrete and actionable behavioral options. Through courses, hands-on activities, and case-based discussions, we guided participants to understand how sustainable choices emerge in real-life situations and to experiment with designing green behaviors themselves. Our focus was not on policy promotion, but on enabling participants to design behavior-change processes that are frictionless, appealing, sustainable over time, and feasible in everyday life—allowing environmental policy to genuinely take root at the level of daily practice. 

What would make it easier to work in a greener way? 

For me, making green modes of operation easier to implement is not primarily a matter of individual willingness or moral choice, but of whether resources can be shared and effective cross-disciplinary collaboration can take place. I do not believe that every individual or organisation needs to start from scratch and possess all sustainability-related capacities on their own. Rather, sustainability becomes practicable and scalable when resources are opened up, reused, and allowed to circulate across different fields of expertise. 

In my professional practice, cross-disciplinary collaboration is not a symbolic partnership, but a concrete way of working. Through collaboration with policy bodies, educators, artists, engineers, and practitioners, fragmented knowledge, tools, and experiences can be integrated, thereby lowering the threshold for implementing green actions. Resource sharing allows sustainability to move beyond the efforts of a few specialists and become a collective process that others can take up, translate, and extend. 

I also see cross-disciplinary collaboration itself as a crucial sustainability practice. When different fields are willing to share resources and jointly bear risks and learning costs, green modes of operation no longer rely on isolated, individual efforts, but are built upon networks of trust and cooperative structures. Only under such conditions can sustainability move from isolated cases to everyday practice and become part of routine operations. 

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EcoSisters: Tzu-Han Lu (Hanna) sobre o Corpo como energia e a Performance como Prática de Sustentabilidade (Taiwan) 

Nessa entrevista da série EcoSisters, Tzu-Han Lu, artista das artes cênicas e pesquisadora taiwanesa, explica como uma pergunta simples do pai sobre ar-condicionado nos teatros despertou sua consciência sobre sustentabilidade no teatro. Desde 2019, através da plataforma Artenergy Generation, ela trabalha com o corpo como fonte de energia, usando pisos piezoelétricos que convertem movimentos em eletricidade. Em “Before Fading Away”, audiências geram energia para iluminação e som através de suas ações. Lu estende a circularidade transformando materiais cenográficos em oficinas comunitárias. Doutoranda em gestão de sustentabilidade, ela acredita que sustentabilidade não limita a estética, mas fortalece experiências corporais incorporadas, tornando a beleza algo vivenciado processualmente, não apenas visualmente. 

Tzu-Han Lu (Hanna) fundou a iniciativa Artenergy Generation em 2019, atuando de forma integrada como artista e educadora. É especializada em desenvolvimento sustentável no setor de artes e cultura, criação artística baseada em energia renovável e educação para a sustentabilidade com metodologias participativas. Tzu-Han também lidera colaborações entre órgãos governamentais, empresas, artistas, públicos e comunidade, mobilizando o poder da arte para materializar uma visão intergeracional de sustentabilidade e bem-estar coletivo. Seu trabalho orienta participantes rumo a ações sustentáveis concretas, transformando a arte em um agente ativo de mudança ecológica. 

Você poderia se apresentar?  

Sou Tzu-Han Lu, artista das artes cênicas e pesquisadora baseada em Taiwan. Desde 2019, venho explorando de forma contínua como o desenvolvimento sustentável pode ser integrado aos processos de criação artística e às práticas pedagógicas das artes performativas. Meu trabalho busca transformar a experiência artística em ações concretas de sustentabilidade, compreendo a performance como um espaço de prática e de materialização de valores sustentáveis. 

Em 2019, iniciei a plataforma Artenergy Generation, uma iniciativa de advocacy que promove a colaboração entre artistas de diferentes áreas para o desenvolvimento de obras artísticas sustentáveis e práticas de educação artística. Por meio destas colaborações, os artistas são incentivados a mobilizar os seus saberes profissionais, permitindo que a arte atue como uma força motriz voltada ao bem comum e à sustentabilidade intergeracional. 

Atuando simultaneamente como artista e educadora, concentro-me no desenvolvimento sustentável no setor cultural e artístico, na criação artística sustentável e em pedagogias participativas orientadas à sustentabilidade. Ao articular governos, empresas, artistas, públicos e diferentes agentes, utilizo a arte como um meio de colaboração intersetorial e de engajamento público, incentivando a transformação dos princípios da sustentabilidade em ações cotidianas. Paralelamente à prática artística, desenvolvo pesquisa acadêmica. Atualmente, sou doutoranda no Instituto de Gestão de Sustentabilidade e Educação Ambiental da Universidade Normal Nacional de Taiwan. Possuo mestrado em Educação Artística e Humanidades pela Universidade Nacional de Artes de Taipei e licenciatura em Dança pela Universidade Nacional de Esportes de Taiwan. 

Nesse percurso, a pesquisa sustenta e aprofunda a prática. Minha trajetória acadêmica e profissional cruza dança, educação artística e gestão da sustentabilidade. A partir da formação em dança, fui expandindo gradualmente a prática corporal para contextos educativos e, posteriormente, para a pesquisa em gestão da sustentabilidade e educação ambiental. Minha pesquisa de doutorado investiga de que forma o setor cultural e as artes performativas podem responder aos desafios do desenvolvimento sustentável e da gestão ambiental. Por meio da integração entre criação artística, experiência pedagógica e reflexão teórica, sigo explorando o potencial da arte como meio de colaboração transdisciplinar e participação pública. 

Você pode falar sobre como surgiu o seu interesse por sustentabilidade? 

Meu interesse pelo desenvolvimento sustentável não surgiu a partir de teorias abstratas, mas de uma pergunta cotidiana. Nos meus primeiros anos de atuação nas artes performativas, meu pai me perguntou certa vez: “Por que o ar-condicionado nos espaços de espetáculo está sempre tão frio?”. Essa questão, aparentemente simples, me levou a perceber, pela primeira vez, o alto consumo de energia e os custos ambientais associados à produção artística, despertando uma reflexão mais profunda sobre a relação entre arte e ambiente. 

À medida que aprofundei minha formação em dança e meu envolvimento com a criação performativa, passei a reconhecer o próprio corpo como uma fonte de energia. Essa experiência corporal me levou a imaginar se a performance poderia, em vez de apenas consumir recursos, responder ativamente às questões energéticas e ambientais. Esse pensamento tornou-se um ponto de partida fundamental para o meu trabalho, no qual busco articular corpo, energia e sustentabilidade. 

Posteriormente, o contato com exemplos internacionais de geração de eletricidade por meio da dança e com tecnologias verdes, como pisos piezoelétricos, permitiu observar de forma muito concreta como o movimento humano pode se relacionar com a transformação de energia. Essas experiências não apenas ampliaram minha perspectiva criativa, como também reforçaram a ideia de que a sustentabilidade não é um slogan abstrato, mas algo que pode ser concebido, vivido e sentido fisicamente. 

Além da criação artística e da prática pedagógica, fui aprofundando minha compreensão sobre sustentabilidade por meio da pesquisa acadêmica, envolvendo áreas como gestão da sustentabilidade, educação ambiental e modelos de gestão do setor cultural. Esse percurso me permitiu repensar o papel das artes performativas no desenvolvimento sustentável a partir de perspectivas institucionais, industriais e educativas, e não apenas no âmbito de obras isoladas ou ações pontuais. 

Para mim, o desenvolvimento sustentável não é uma tarefa adicional imposta à arte, mas um caminho construído a partir da acumulação de experiências cotidianas, práticas corporais, ações criativas e reflexão crítica. É nesse sentido que continuo explorando a arte como um espaço de diálogo, participação e promoção de ações sustentáveis concretas. 

Você pode me contar mais sobre suas práticas de design sustentável? 

No contexto das artes performativas contemporâneas, que respondem cada vez mais às mudanças climáticas e aos desafios do desenvolvimento sustentável, a sustentabilidade costuma ser entendida como um conjunto de indicadores técnicos ou normas de produção, como a eficiência energética, redução de carbono ou substituição de materiais. Para mim, no entanto, a sustentabilidade não é uma camada adicional aplicada à arte, mas uma estrutura relacional que precisa de ser redesenhada: a forma como os corpos atuam, como a energia é gerada, como o público participa e como a arte se reposiciona num mundo de recursos limitados. 

Entendo o corpo não apenas como um instrumento de expressão, mas também uma forma de energia. Foi a partir desta consciência corporal que comecei a questionar o papel histórico da performance como consumidora de energia e a refletir se ela poderia ir além do consumo de recursos, respondendo ativamente — ou até intervindo — nas questões energéticas e ambientais. Essa reflexão se tornou um eixo central na minha prática de design sustentável. 

Na criação colaborativa Before Fading Away, assumo o conceito de “o corpo como energia” como eixo central do design. Por meio de pisos piezoelétricos e dispositivos interativos de geração de energia, os movimentos, passos e danças de performers e públicos são convertidos, em tempo real, em eletricidade, sustentando a iluminação cênica, o som ou as instalações. Nesse modelo, a energia deixa de ser uma condição invisível e passa a constituir um sistema concreto, perceptível e responsivo. 

No espaço performativo, o público deixa de ser apenas espectador e passa a integrar o processo de geração de energia por meio de suas próprias ações, vivenciando diretamente a relação causal entre ação, energia e recursos. Para mim, esse é o sentido mais essencial do design sustentável nas artes performativas: permitir que a sustentabilidade não seja apenas compreendida intelectualmente, mas vivida fisicamente por meio do corpo. 

Como você traz a circularidade para seus processos de design?  

Após o encerramento da peça Before Fading Away, procurei não permitir que a obra se concluísse com o fim do espetáculo. Ao contrário, passei a refletir sobre o destino e o potencial dos materiais de produção. Convidei uma artista que trabalha com arte fluida em resina para colaborar na transformação de materiais que poderiam ser considerados resíduos em novas formas, prolongando o ciclo de vida da obra por meio do projeto “Regeneração do Teatro – Oficina de Copos Sustentáveis & Exposição de Criação Secundária.” 

Como conceito central de “transformar resíduos teatrais em objetos de valor”, a oficina reorganizou e reutilizou materiais empregados no espetáculo, convertendo-os em meios de criação artística. Essa abordagem permitiu que participantes — incluindo aqueles que não haviam assistido ao espetáculo original — entrassem em contato com as reflexões sobre sustentabilidade presentes na obra. Durante a oficina, cada participante criou o seu próprio porta-copos sustentável e escreveu uma narrativa pessoal sobre sustentabilidade, circulação de recursos e escolhas do cotidiano. 

Os porta-copos finalizados e os textos produzidos foram posteriormente reunidos numa exposição de criação secundária. Materiais que antes existiam apenas no contexto teatral foram transformados em objetos do dia a dia, passíveis de uso, toque e exposição, tornando-se portadores de múltiplas imaginações sobre sustentabilidade e das narrativas pessoais dos participantes. Com esse processo de prolongamento, busquei que Before Fading Away não fosse apenas uma performance, mas uma prática criativa cíclica — aberta à apropriação, à reinterpretação e à geração contínua de significado ao longo do tempo. 

Como você incorpora a eco-criatividade em seus processos de design? 

No meu processo de criação e de design, o corpo, a experiência e a percepção constituem o método central para integrar a criatividade ecológica às artes performativas. Em vez de partir de teorias ecológicas abstratas ou de indicadores de sustentabilidade, escolho o corpo como ponto de partida, trazendo as questões ecológicas para o nível da experiência física dos recursos e do ambiente. 

Para mim, o corpo não é apenas um meio de expressão, mas também uma forma de energia. Por meio do movimento, da respiração, da fadiga e do ritmo, a energia se torna concreta e perceptível, deixando de ser apenas um sistema tecnológico invisível. Essa experiência corporal permite que os participantes reconheçam a finitude dos recursos por meio da ação e tomem consciência da relação entre seus comportamentos e o ambiente. 

No processo de design, considero a experiência como um material fundamental. Desde o início, penso em como o público participa, em quais momentos se torna consciente da geração e do consumo de energia e em quais ações produzem retorno imediato. O funcionamento cênico, os mecanismos interativos e os sistemas energéticos são concebidos de forma integrada. A partir de uma atenção cuidadosa à percepção, a eco-criatividade se transforma em um processo que pode ser vivido fisicamente. O público não apenas compreende a sustentabilidade como conceito, mas experimenta diretamente o fluxo de energia e as consequências da ação por meio do corpo, da luz, do som e do feedback sensorial. Assim, entendo as artes performativas como um espaço de prática capaz de responder às questões ecológicas, promover participação e gerar significado de forma contínua. 

Você acha que ser sustentável é uma limitação na sua estética? 

Curiosamente, a minha pesquisa de doutorado se dedica justamente à estética performativa do teatro sustentável. 

Não considero que a sustentabilidade limite a minha percepção estética; ao contrário, vejo-a como algo que intensifica a forma como a estética corporal é produzida. Quando a sustentabilidade se torna uma condição prévia da criação, a beleza deixa de resultar apenas da acumulação de formas, imagens ou materiais e passa a emergir da maneira como corpo, energia e relações são reorganizados em contextos de recursos limitados. 

Na minha prática, o corpo não é apenas um instrumento de expressão, mas uma forma de energia em si. Respiração, peso, fadiga e ritmo influenciam diretamente tudo o que é gerado em cena e tudo o que é percepcionado pelo público. Assim, a estética deixa de ser um resultado previamente definido e passa a ser um estado que precisa ser sustentado pela ação e que pode desaparecer a qualquer momento. Esse tipo de limitação, longe de enfraquecer a beleza, torna a estética do corpo mais intensa e mais honesta. 

A sustentabilidade também desloca a estética de algo que é apenas observado para algo que é vivido. Quando o ambiente deixa de ser um pano de fundo invisível e precisa ser gerado em tempo real por meio da ação corporal, a beleza da performance não reside apenas na imagem, mas é percebida ao longo do processo. O público sente o fluxo de energia e as consequências da ação por meio da própria participação, e essa percepção sensorial constitui, por si só, uma experiência estética. 

Por isso, não encaro a sustentabilidade como uma restrição, mas como uma condição que me leva a repensar como as artes performativas podem existir em um contexto de recursos limitados e de relações necessariamente colaborativas. É justamente nessas condições que, para mim, a beleza é redescoberta e continuamente produzida. 

Você já trabalhou com uma organização que tem uma política ambiental? 

Em 2025, participei ativamente de um projeto vinculado à iniciativa “Vida Verde Rumo ao Net Zero” do Ministério do Meio Ambiente de Taiwan, no qual atuei como gestora de projeto, sendo responsável pelo planejamento e pela execução geral de materiais de formação em design comportamental e de programas de capacitação de talentos verdes. 

Na prática, nossa abordagem partiu de contextos do cotidiano e do comportamento dos utilizadores. Por meio de empatia, definição de problemas e design de cenários, traduzimos objetivos abstratos das políticas de neutralidade de carbono em escolhas comportamentais concretas e acionáveis. Através de cursos, atividades práticas e discussões baseadas em estudos de caso, orientamos os participantes a compreender como as decisões sustentáveis emergem em situações reais e a experimentar o design de comportamentos verdes. Nosso foco não foi a simples divulgação da política pública, mas apoiar os participantes na concepção de processos de mudança comportamental que fossem intuitivos, atraentes, sustentáveis ao longo do tempo e viáveis no dia a dia, permitindo que as políticas ambientais se integrem efetivamente à vida cotidiana. 

O que tornaria mais fácil para você fazer as coisas de uma forma mais sustentável? 

Para mim, tornar os modos de operação sustentáveis mais fáceis de implementar não depende principalmente da vontade individual ou de escolhas morais, mas da possibilidade de compartilhamento de recursos e de uma colaboração interdisciplinar efetiva. Não acredito que cada pessoa ou organização precise começar do zero ou dominar, isoladamente, todas as competências relacionadas à sustentabilidade. Pelo contrário, a sustentabilidade se torna viável e escalável quando recursos são abertos, reutilizados e colocados em circulação entre diferentes áreas de conhecimento. 

Na minha prática profissional, a colaboração interdisciplinar não é simbólica, mas concreta. Ao trabalhar com agentes do setor público, educadores, artistas, engenheiros e profissionais de diversas áreas, conhecimentos, ferramentas e experiências antes dispersos podem ser integrados, reduzindo o limiar para a implementação de ações sustentáveis. O compartilhamento de recursos permite que a sustentabilidade deixe de ser um esforço restrito a especialistas e passe a ser um processo coletivo, passível de apropriação, tradução e continuidade por outros. 

Considero, ainda, que a própria colaboração interdisciplinar constitui uma prática essencial de sustentabilidade. Quando diferentes áreas se dispõem a compartilhar recursos e a assumir conjuntamente riscos e custos de aprendizagem, os modos de operação sustentáveis deixam de depender de esforços individuais e passam a se apoiar em redes de confiança e estruturas cooperativas. É nessas condições que a sustentabilidade pode deixar de ser pontual e se tornar parte do funcionamento cotidiano e regular. 

Legenda das fotos: 
[1] “Acredito que as experiências criam memórias duradouras, e as memórias são fundamentais para impulsionar a ação.” Foto de Daniel Kao. 
[2] Before Fading Away (Antes de desaparecer), co-criação de Tzu-Han LU, Po-hao CHANG, Chao-ming KO. Foto de Cherry Wu. 
[3] Colaboração com o Instituto Jane Goodall Taiwan; uso de lanternas manuais e temas relacionados à conservação animal para inspirar a criatividade das crianças. Foto de Daniel Kao. 
[4] Durante os ensaios, a bailarina experimenta diferentes formas de interagir com a luz e o público, explorando a tensão recíproca entre a rotação corporal e o giro da manivela de energia. Foto de Cherry Wu. 
[5] Oficina que reutiliza materiais descartados da instalação Before Fading Away para criar bases para copos. Foto de Hanna Lu. 
[6] A dançarina aciona o piso piezoelétrico por meio do contato sutil com várias partes do corpo, navegando entre estados de equilíbrio e desequilíbrio. Foto de Cherry Wu. 
[7] O ciclo da energia corporal e da energia vital é tangível e intangível. Foto de Cherry Wu.